Estado (3) Un sonido anterior suena en el espacio, alegórico a la muerte, que va más allá... Sobre la postal, algunas palabras: Lo están ejecutando en nuestra nueva casa.... La presencia humana ya ha huído y solo quedan los suelos.
Ambiente inquietante el sugerido por este texto de Angel Lalinde que ilustra su exposición Solo quedan los suelos en el Espacio Expositivo Libros del Rescate, calle Tomás Bretón 14 de Zaragoza, un espacio situado en el interior de un pasaje comercial que recuerda los viejos pasajes cubiertos parisinos. Las composiciones de Angel sugieren momentos de apaciguamiento ante un mundo de palpitante devastación, una continuidad a su libro Memoria Salada editado por S.T.I., cuyo artífice Javier Cinca acaba de publicar Los papeles del S.T.I., imprescindible para quien quiera documentarse en su trayectoria dentro de la poesía visual, el mail-art o la música experimental, espero en breve profundizar más sobre él y también sobre un nuevo trabajo musical de Angel Lalinde "Pure and dirty"un velado homenaje a Bryn Jones de Muslimgauze.
Apuntar que anteriormente a esta exposición el espacio mostró una colección de poesía visual de autores afines a S.T.I. y con una performance de Abril Padilla; la coreografía del gesto que comentaba en la anterior entrada sobre Anne Gillis es perfectamente aplicable aquí, como podéis observar en el vídeo de su acción sonora "Contra el vidrio".
Mi amistad con Sylvie Antoine, colaboradora del Festival Divergences et Divisions en Burdeos, me hizo muy pronto descubrir a Anne Gillis a través de su LP Aha, artista habitual de este festival, dirigido por André Lombardo, fue editor con su sello DMA de este disco de moléculas sonoras en un mundo amniótico que iba a marcar toda su producción sobre todo en la década de los ochenta, un año antes una cassette poco divulgada con el alias de Devil's Picnic en el sello holandés Ding Dong constituye su trabajo con más presencia elocuente de sintetizadores.
En una de sus escasas entrevistas en la revista Revue&Corrigée, Anne Gillis apuntaba a que su trabajo había sido más reconocido en países como Holanda, Estados Unidos o España donde puntualmente se distribuían sus trabajos a través de Rotor, Auxilio de Cientos que la incluyó en la recopilación Femirama y la revista Syntorama realizó una entrevista en que ella, a pesar de no gustarle hablar de su música, describe como nadie sus sonidos:
"Lyxgrin" mi primer LP, es un disco "rayado". el niño recién nacido es ciego, con los primeros escarceos de la vida, el grita, hasta que es calmado, hasta que recupera la paz. Es el estilo musical del cuerpo. "Aha" mi segundo LP, es un disco que debería ser tragado. El nuevo nacimiento descubre el líquido del mundo. Variaciones alternadas de saliva, besos, lágrimas, sudor, etc..., cuando los ruidosos habladores son doblados dentro de los estetoscopios. "Monetetachek" mi tercer LP es un disco realizado con gatos y globos de saliva. Retazos de otro mundo, la cordialidad del nido. Yo me he he zambullido dentro de la materia, "Bisherigori", mi cuarto LP, es un disco acerca de la fragilidad. El recién nacido descubre un mundo tinteneante, contemplativo, el ritmo es la respiración.
Poco hemos sabido de ella estos últimos años, uno recuerda su actuación en el Festival LEM del 2002, una simbiosis de música corporal expandida a su coreografía cruda, de estado bruto a la vez que hipnótica, realmente de impacto.
Monetachek LP, publicado en su propio sello Rangehen, 1985
Anne Gillis en diferentes performances
Dibujo
Femirama, disco recopilatorio editado por Auxilio de Cientos en 1986, que incluye a Anne Gillis, Wendy Chambers, Sue Ann Harkey o Neo Zelanda entre otras.
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Anne Gillies filmada en 1984 por Gérard Courant en su film Cinématon, un film de 192 horas rodado durante varios años y que recoge a cineastas como Michael Snow, Steve Dwoskin, Philippe Garrel o Fernando Arrabal entre una lista interminable.
Desde hace tiempo revistas especializadas de música e incluso periódicos nos traen cada vez más noticias de la desaparición de músicos que uno, de una manera u otra, ha admirado, la lista desde que comenzó este blog es ya bastante larga y cubrirla parecía un obituario, sin embargo si me gustaría evocar la figura de Daevid Allen, fallecido hace una semana, al cual pensaba en breve dedicar una entrada que ahora adelanto, coincidiendo con que hoy es el equinoccio de primavera y que la tierra, la luna y el sol están superpuestos, lo haré evocando sus días en Deià (Deyá), según él los más felices de su vida y que tuvieron entre sus frutos el disco Good Morning junto al grupo Euterpe en 1976.
Tras ver en una actuación al aire libre de Euterpe en Deià, Daevid pensó que el grupo sería perfecto para completar los temas que había comenzado a componer, aparte del interés que tenía con trabajar con algún grupo de aquí tras la revelación de una estudiosa en Inglaterra que le dijo que en una anterior vida había sido un músico español; antes había pensado en Zebra, otro grupo mallorquín que contó en algunas de sus formaciones con Agustí Fernandez y Joan Bibiloni que a su vez tenía un dúo con Pepe Milan de Euterpe, estos últimos fueron requeridos por la revista Disco Express para una entrevista en que el semanario anunciaba el primer disco de unos españoles con el sello Virgin, en ella relatan los días de grabación del disco en el Bananamoon Studio que comenzaban con un té a las cuatro de la tarde a la que seguían animadas charlas, a las siete empezaban a grabar con con un Teac de 4 pistas y dos Revox hasta la cinco de las mañana e incluso más tarde si había luna llena en que Allen se excitaba al máximo oyendo las grabaciones a través de los auriculares colocados encima de algunos de sus peculiares gorros.
Los temas de las dos caras del disco tienen bastante contraste, la primera discurre por un space folk que planea por la celebración de la parsimonia y cotidianidad de un día cualquiera en Deià, un estado de gracia que puede remitir al disco de Música Dispersa, otro de los grandes discos que se han hecho en este país; la segunda cara es mucho más multidemensional con temas como "Wise man in your heart" con una irresistible base de marimba y el sintetizador de Toni Pascual que después colaboraría en el disco Mother de Gilli Smyth cuyos rumores espaciales también aparecen en el disco. Pepe Milan aporta un sutil contrapunto con la la guitarra acústica a la eléctrica de Allen y volvería a aparecer en en el siguiente disco de éste "Now is the happiest time of your life" que cerraba con un tema evocando a la Diosa de Deià que tanto iluminó a ilustres habitantes de este enclave como Robert Graves, Mati Klarwein, Kevin Ayers o Cam Am Des Puig una formación casi satélite del mundo de Euterpe y Daevid Allen quien les vendió el Teac con quien registraron su disco Book of Am.
En el plano personal, apuntar que una inoportuna gripe mientras trabajaba en la tienda de discos Gay&Co de la calle Hospital me impidió atender su visita junto a Gilli Smyth y Chris Cutler, en esos momentos estaban interesados en oir discutibles muestras de música "laietana" local pero Allen salió enojado de la tienda ante el jazz rock que sonaba de ambiente y tapándose los oídos gritaba "devil music".
Portada y contraportada del disco
Cam Am Des Puig, the Book of Am
Mati Klarwein. Deià landscape
Daevid Allen mostrando el Bananamoon Observatory de Deià y ajustando los potenciómetros de la tumba de Ollie Halsall.
Recientemente he acudido a una serie de conciertos que el sello barcelonés Màgia Roja está organizando en su sede del barrio de Gracia, repasando sus atractivos diseños para las portadas de sus lanzamientos y sus conciertos con una marcada inspiración de psicodelia mágica y ritualismo me he encontrado con uno protagonizado por Maxine Sanders "la reina de las brujas" que me ha hecho recordar su aparición en el programa de Televisión Española La Clave en 1980 (ver aquí) junto al también brujo Stewart Farrar, ambos coincidieron en una edición anterior del programa en 1976 dedicada al mismo tema que tuvo una gran repercusión, hasta el punto que una sacerdotisa cercana a Sanders estableció en Barcelona tres asambleas de brujas.
Maxine fue introducida por el que luego fuera su pareja Alex Sanders en la magia ceremonial y en la tradición de la wicca alejandrina generando una desnudez ritual en sesiones de iniciación que originaron ciertas licencias con el mundo del cine como las fotos en que aparecen junto Sharon Tate en el rodaje de Eye of Evil o con el grupo psicodélico Black Widow. Semejante ambiente tuvo un gran poso en un jovencísimo John Balance de Coil quien con 14 años se dirigió por carta a Alex Sanders, contestándole éste que no se metiera en estos ámbitos hasta alcanzar su mayoría de edad.
Stewart Farrar como periodista trabajaba en un estudio sobre la brujería moderna y acudió a un acto de iniciación que le dejo tal impresión que luego fue iniciado por Maxine Sanders en el coven donde luego conocería a su esposa Janet Owen, ambos serían destacados representantes de un neopaganismo localizado en Irlanda buscando la dimensión oculta de la naturaleza unida a sesiones de chamanismo.
Volviendo al programa de La Clave de 1976, decir que la película que ilustró el debate fue La Semilla del Diablo, como curiosidad decir que Elmer Modlin uno de los brujos que acudían a ver a la criatura recién nacida trasladaría su residencia a Madrid pocos años antes de su emisión, en esa misma época otros "simpatizantes por el diablo" como Mick Jagger y Marianne Faitfull acudían al Prado a una exposición sobre los aquelarres de Goya, de esa experiencia en ella surgiría la canción Witches Song incluida en su disco Broken English.
Maxine Sanders con Sharon Tate y Black Widow, fuera y dentro del círculo
Janet Owen y Stewart Farrar
Ceremonia del entierro de Stewart Farrar
Maxine Sanders en un cartel del sello Màgia Roja
A witch is born, disco grabado para A&M Records que cuenta con las voces de Alex y Maxine Sanders como supremos sacerdotes y Janet Owen como iniciada. La narración es de Stewart Farrar
En unas recientes declaraciones a la prensa holandesa Captain Sensible de The Damned recordaba la ilusión que le hizo tocar por primera vez en el Melkweg de Amsterdam en 1977, la misma sala donde antes habían tocado una de sus bandas favoritas Soft Machine, este tipo de debilidades quedaban casi ocultas por la ortodoxia punk pese a que gran parte del movimiento estaba impregnada de ellas, sin ir más lejos Johnny Rotten con Can o Magma. Treinta y ocho años después, nada más y nada menos, The Damned han vuelto a tocar en el Melkweg durante el Grauzone Festival en que compartían un apabullante cartel que incluía entre otros a The Fall, D.A.F. y Michael Rother de Neu, otra debilidad de Sensible hasta tal punto que le llegó a mandar una carta como fan.
Pese a ser más conocido como bajista, Captain Sensible es de hecho un multiinstrumentista, el primer instrumento que tuvo Captain Sensible en su infancia fue un órgano bontempi con el que quería imitar a Brian Auger, poco después vino su casi obsesión por Syd Barrett a quien querían localizar como fuera en su retiro para que les produciese un disco, al final tuvieron que conformarse con Nick Mason quien les produjo su segundo álbum Music for Pleasure, cuyo último tema You Know incluye el saxo de Lol Coxhill con quien incluso llegaron a tocar en alguna actuación. Posteriormente The Damned tendrían otra colaboración estelar proveniente del llamado rock progresivo como fue Robert Fripp durante la grabación de su disco Strawberries que luego fue rescatada en su single Fun Factory, un título que define perfectamente lo que fue el grupo, una factoría de diversión en que la deshinbición de Sensible le hacía disfrazarse con pintas de lo más variopintas e incluso a aparecer desnudo tocando, todo este desparpajo les convertiría en una propuesta muy apreciada en muchas escenas como por ejemplo en la californiana, sin olvidar por eso connotaciones sociales o políticas como el single que Captain Sensible grabara para Crass Records.
Esta entrada está dedicada a Cheity Chinook, quien tan buenos momentos nos hizo pasar escuchando a The Damned en su casa.
Marc Bolan y Dave Vanian en 1976, año de relevos
Captain Sensible, su single para Crass Records
Pintada en el Masque de Hollywood
Durante la grabación de Music for Pleasure. Lol Coxhill a la izquierda
Robert Fripp durante las sesiones de Strawberries
Impagable aparición de Captain Sensible bromeando sobre John Cage en la tira de comic Emily The Strange donde Emily utiliza micrófonos de contacto sobre las tumbas.
Grauzone Festival 2015
Cheity Chinook rememorando la adquisición del primer disco de Damned a sus 14 años
Anunciaros la reciente edición de mi último trabajo Límite radioazulado, editado en formato digipack conjuntamente por Geometrik y Urafonia, este último un sello personal que he creado para rescatar algunas grabaciones dispersadas en diferentes formatos.
El Cd es el resultado de una selección de grabaciones efectuadas entre 2011 y 2013, que ha contado en su presentación con imágenes de Chema Alvargonzález de su serie Diálogos en Blanco y con la masterización de Juan Carlos Blancas que ha tamizado perfectamente todas las texturas surgidas de los sintetizadores y efectos. El diseño, una vez más, ha sido de Angel Lalinde.
Límite radioazulado me ha llevado a unas derivas electrónicas traspasadas por túneles de escarcha, un crepitar de fosforescencia y a encontrar en el camino al pensador del radar captando emanaciones de remotas irradiaciones, Querencia podría ser el lugar.
Buscando sinestesias e identificaciones las he encontrado en habituales compañeros de viaje:
Vi las cabezas absortas en cenizas industriales Yo vi el cansancio y la ebriedad azul. A la audición del mundo bajo una piel trabajado por dedos silenciosos. (Antonio Gamoneda) Alucinante luz en que la luna une la encina blanca desde el cieno al cielo, donde el hielo resplandece azul en un silencio alucinado. (Juan Eduardo Cirlot) The silence fell heavy and blue in mountain villages, pulsing mineral silence as word dust falls from desmagnetized patterns. (William Burroughs)
Chema Alvargonzález de la serie Diálogos en Blanco
Un reciente pase televisivo nos ha dado la oportunidad de ver esta coproducción hispano suiza dirigida por Ladislao Vajda, un director de ascendencia húngara que dió sus primeros pasos en el cine mudo austriaco como montador y que tras varias vicisitudes creadas por la Segunda Guerra Mundial le llevó a trabajar en España hasta su muerte en Barcelona en 1965, este origen impregna claramente a la película una estética de expresionismo alemán y también algo de cine nórdico, algo inaudito en el panorama fílmico de aquí marcado claramente por un costumbrismo, aún incluso en algunos de sus títulos más destacados.
El film con una olvidable banda sonora, tiene sin embargo unos interesantísimos recursos de uso de sonidos fuera de campo en varias de sus escenas. Otro elemento a destacar es la perversa utilización de la niña por el detective que casi la emparenta con el asesino, todo ello en el universo del bosque que tantos cuentos infantiles ha generado, esta dualidad la emparenta a películas como La Noche del Cazador o M, El Vampiro de Düsseldorf esta última sobre todo por el aspecto del asesino, una grotesca figura que bien podía figurar en algunos de los cuadros de Friedrich Dürrenmatt, autor del libro en que se basa la película y que también es responsable de su guión.
Diferentes fotogramas de El Cebo
Cartel alemán del film
La Torre de Babel pintada por Friedrich Dürrenmatt
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