Melbourne y sus sonidos cibernéticos

                                                 

Los últimos años han sido prolíferos en la documentación y difusión de los trabajos que se realizaron en los laboratorios de informática musical durante los años cincuenta, siendo quizá la invención del CSIRAC uno de los menos conocidos pese a tratarse de la primera computadora musical y que originó el primer tema compuesto con este medio, aunque fuera una tosca canción popular de la que no queda ningún registro. Sin embargo el mastodóntico aparato sirvió como prototipo para innovar posteriormente en vídeo y señales de audiofeedback en la línea de otros ordenadores basados en arquitectura serial y con líneas de retardo de mercurio para almacenar datos. (Ver información más detallada en la web Audionautas). Inevitablemente CSIRAC se quedó obsoleto y hoy en día está expuesto en el Museum of Victoria de Melbourne, antes había pasado por la universidad de esta misma ciudad donde se creó casi simultaneamente un estudio de música electrónica generándose interesantes trabajos recopilado posteiriormente en una edición del sello Creel Pone que dirige Keith Fullerton Whitman.

A finales de los setenta aparecen en la ciudad músicos herederos de este ambiente, aunque con propuestas mucho más distendidas como Dennis García que pasó de experimentar con instrumentos de retroalimentación bio-mecánica a formar parte brevemente en la gira Low/Heroes de David Bowie siguiendo flirteos con las música disco en su Lp Jive to stay alive. Más renombre alcanzó Cybotron el grupo fundado por Steve Braund tras su estancia londinense marcada por grupos como Hawkwind o Gong quien contaba con otro oriundo de Melbourne como era Daevid Allen o los discos del rock alemán más planeador que encontraba en la primera tienda de Virgin. Los discos de Cybotron son muy irregulares aunque cuentan con algunos momentos recuperables como el que muestra el vídeo de esta entrada o la colaboración de otro explorador de la ciudad como Ian McFarlane quien previamente había editado el disco Void Spirit, una muy acertada combinación de electrónica, voces apropiadas y excentridades country editado por Neutron Star Records en 1979.

                                              Dennis García, Ian Mcfarlane y Cybotron

Esplendor Geométrico, Roma 24-3-1986

Varios son los aniversarios que se han cumplido en el último año con Esplendor Geométrico, 35 de existencia como grupo, 30 de actividad como sello y en este año que empieza otros treinta de sus primeras actuaciones en el extranjero, concretamente en el Festival Divergences/Divisions de Bordeaux junto a gente como Laibach o Vivenza o meses antes, en marzo de 1986, su actuación en el Aula Magna della Sapienza de Roma dentro de las jornadas Immagini&sonorità industriali, una iniciativa que trataba de indagar en la imaginería de la arqueología industrial y su relación con el género musical del mismo nombre; el programa contó también con la actuación de Giancarlo Toniutti que acababa de publicar su disco La Mutazione en el sello Broken Flag. Todo fue ideado y realizado por Saverio Evangelista que cuatro años después entraría como miembro fijo en el grupo.

Para una formación que había tomado su nombre del manifiesto de Marinetti "Splendore  geometrico e meccanico e la sensibilità numerica" es significativo que su primera actuación fuera en Italia, las referencias que encontramos en el texto a lo agreste, la penumbra crepuscular, la corrosión y la putrefacción como una nueva belleza de sensibilidad contradictoria están absolutamente presentes en este periodo del grupo compuesto por Arturo Lanz y Gabriel Riaza como demuestra la cassette que recoge la actuación.

Treinta años después, Esplendor Geométrico recalará durante el próximo mes en el Festival Transmediale de Berlín donde los organizadores vuelven a incidir en una línea semejante al festival de Roma como refleja su presentación en el programa: "E.G. reflejan las tensiones y la ansiedad de los años ochenta en Europa y la áspera naturaleza de sus avances arquitectónicos y técnicos"; sin duda un destacado concierto a los que habrá que añadir también durante este año otros a celebrar en ciudades como México D.F, Medellín, Lima, Buenos Aires, Los Angeles, New York o lo más venidera que nos acercará a Barcelona en la Sala Apolo el Sábado 16 de Enero, desenfreno catártico asegurado.

    Danza dello Spendore Geometrico, fotograma del film Vita futurista de Arnaldo Ginna, 1916.

Ed Emshwiller Thanatopsis

Realizado en 1962, Thanatopsis es uno de los cortos experimentales más impactantes tanto visualmente como por la banda sonora que no está atribuída en los créditos lo que hace suponer que es obra del propio realizador Ed Emshwiller, la confrontación de un hombre con su entorno es sintetizada por los latidos del corazón, los sonidos e imágenes distorsionadas que acompañan a una mujer danzando, un tipo de sonido cinéticoindustrial que se se anticipa casi en tres décadas a lo que podrían ser por ejemplo las primeras producciones del sello Sähkö. Destacar que Emshwiller había  contado en anteriores filmes con músicos como Lou Harrison y Teiji Ito y ya en los ochenta cuando trabajaba en formato de vídeo, medio del que fue precursor, lo hizo con Morton Subotnick.

Thanatopsis precedida por una foto de su propio realizador en el mismo año del film

Dos muestras de la labor de Ed Emshwiller como ilustrador de libros de pulp fiction y revistas de ciencia ficción,  como en el film ambas cuentan con un hombre cuando menos atormentado

Marcelo Expósito y su sello de cassettes Necronomicón en Puertollano

De la reconocida escena española de cassettes de los años ochenta el sello Necronomicón fundado en Puertollano en 1984 por Marcelo Expósito ocupa un lugar destacadísimo con sus cuatro números editados,  tanto en la cuidada selección de los participantes en sus recopilaciones como en el acompañamiento de estas por un fanzine en que uno podía apreciar el trabajo gráfico de las formaciones marcadas por impactantes fotos y collages que alternaban frecuentemente la imaginería de las vanguardias históricas junto a la llamada "industrial culture", una estética de ambivalencia provocadora que fuertemente contrastaba con la placidez de los ochenta. (Podeis ir a Wet Dreams de Stahlfabrik para oir todo este material).

Tras la etapa de Necronomicón, Marcelo Expósito abordaría escritos de teoría crítica, edición (Brumaria donde también colaboraba Francisco Felipe de La Otra Cara de un Jardín) y videocreación muy en consonancia curiosamente con muchos participantes de sus cassettes como Joel Hartling de Architect's Office que después de crear Zamizdat Trade Journal colaboró en films de Stan Brackhage, Graf Haufen  abriría en Barlín un espacio para sus Artcore Editions marcado por el mail art o las instalaciones, Wolfgang Muller de Die Tödliche Doris en el mundo performático y filmico o Christian Pfluger de los deliciosos Die Welttraumdorscher desde las instalaciones y docencia.

La línea futura de trabajos de Marcelo estaría marcada en gran medida por la memoria histórica, las transformaciones metropolitanas y la globalización, hechos que estaban ocurriendo incluso en su Puertollano natal donde el gran tejido industrial que trajo una considerable inmigración estaba siendo desmantelado como en el caso del Complejo Solaria; el siguiente escrito de el mismo para el Festival NRVP refleja claramente su actividad:

Trabajo desde hace veinte años (exactamente desde el Bideoaldia en Tolosa en 1987) en líneas de actividad que hibridan la escritura crítica, la organización y curaduría de encuentros y otros tipos de eventos, la impartición de docencia y la participación en seminarios, la edición, la realización de obra en diferentes soportes (vídeo, instalación, publicaciones…)… No obstante, concibo el conjunto de mi actividad comola propia de un artista que ha extraído, de la herencia de las vanguardias históricas, conclusiones poco amables para la historia y la institución artísticas: que se puede (a veces se debe) hacer un arte que “no lo parezca”, que la introducción del paradigma comunicativo, la dimensión colectiva y el principio de utilidad en la obra de arte rompen drásticamente con los modos de hacer clásicos, y que los solapamientos o concatenaciones entre máquinas artísticas y máquinas políticas son más norma que excepción en la tradición de las vanguardias (le pese a quien le pese).

En la década de los noventa, mi actividad se diversificó en la curaduría y organización de actividades (principalmente en torno al vídeo, el mail-art, la música experimental/industrial y otros formatos en aquel entonces no sobrecodificados), así como en una diversidad de soportes, creo que influido, a ratos inocentemente, por mi top-ten particular: el posmodernismo crítico, la crítica institucional, el site-specific, el feminismo, las tradiciones politizadas y experimentales del cine moderno, y por supuesto el vídeo de artistas y de grupos políticos de los años 60/70. Pero más recientemente, sobre todo desde mi vinculación creciente con la actividad de los movimientos sociales, desde el ciclo de desobediencia civil en España en la segunda mitad de los noventa, del big-bang zapatista y la precipitación tormentosa del movimiento global en 1999/2000, mi dedicación se aplica a reforzar por todos los medios posibles la creación de nuevas máquinas que solapen arte, política y activismo, porque es así como el arte puede contribuir a construir un imaginario y un proceso colectivos de cambio. Estoy también irremediablemente convencido de que la única manera posible de recuperar el (tan denostado) principio vanguardista “arte/vida” es trabajarnos esforzadamente un arte que no sea otra cosa que construcción innovadora de sí. Creo que ésas son algunas formas de producir vida feliz en un mundo que da verdadero asco.

Hace unos meses con su estupenda exposición en la Galería Ángels de Barcelona quise dedicarle esta entrada que me ha llevado por fin a incluirla tras su elección como diputado al Congreso por En Comú Podem, algo que celebro enormemente, desde aquí desearle toda la suerte del mundo y esperar, si está en sus manos, que mitigue que la creación artística más transgresora no sea vista y neutralizada con desprecio e ignorancia desde los poderes conservadores o como algo elitista y burgués por a veces sectores de izquierda populista, sino que desde su plataforma política ésta pueda protegerla y dinamizarla.

                                        Varias páginas del primer número de Necronomicón

                                          La industria de Puertollano y su desmantelamiento

Grabación de Técnica Material, dúo compuesto por Luis Mesa y Miguel A. Ruiz, durante una actuación organizada por Necronomicón en la Casa de Cultura de Puertollano en 1987 durante un festival dedicado al video arte.

Shuggie Otis y Timmy Thomas, Maestro Rhythm Kings

Nunca he editado ningún tema con caja de ritmos, solo tuve prestada la CR 78 de Roland con discretos resultados . Cuando creamos Xeerox teníamos muy claro que teníamos que disponer de una (influencia de Metal Urbain) y adquirimos un modelo muy sencillo sin marca que en la tienda de Iber Musical nos dijeron  procedía de Rumanía, los típicos presets de tango, foxtrot o rumba que quizás habían amenizado las noches de algún hotel de Bucarest podían ser chocantes en un grupo de filiación punk, pero conjuntados y acelerados aportaban ciertamente un gran estímulo al resto de instrumentos, aunque su mayor resultado lo aportó en nuestra época final cuando lo filtrábamos a través de un sintetizador de guitarra. Buscando antecedentes en los setenta a esta caja de ritmos claramente uno se encuentra con la Maestro Rhythm King manufacturada por la marca Gibson, esta sería probablemente la primera caja de ritmos que fue asequible comercialmente, quizás solo precedida por la Ace Tone FR-1.

Dos grabaciones de 1971 como el tema de Can "Peking O" de su disco Tago Mago o Sly and the Family Stone con "There's a riot goin on" muestran perfectamente el uso de la Maestro Rhythm King  que el norteamericano bautizó como Funk Box; el instrumento marcaría a los gurús de los estudios de Miami, siendo utilizado en muchas grabaciones de disco funk como la archifamosa "Rock your baby" de George McCrae o en la cadencia hipnótica de "Why can´t we live together" creada por Timmy Thomas con la MRK unida un órgano Lowrey modificado por Henry Kones, un experto en telemetría nuclear de misiles.

En ese mismo año las emisoras del área de Los Angeles emiten con asiduidad "Strawberry Letter 23" un tema de Shuggie Otis, músico californiano de amplios registros cuya creciente reputación le llevó a grabar con Frank Zappa en su disco Hot Rats y a juntarse como pareja con Miss Mercy de las Gto´s. Semejante éxito sin embargo le lleva a un retiro personal que le lleva a construir un estudio casero de 8 pistas en el garaje de su casa donde durante tres años (escasamente interrumpidos por una gira en Gran Bretaña y España) grabaría los temas que constiurían su disco Inspiration Information, música de una melancolía crepuscular, un climax muy cercano al Pacific Ocean blue de Dennis Wilson, en donde Shuggie toca todos los instrumentos entre los que encontramos la Maestro Rhythm King que a deferencia de los temas antes mencionados, no se limita en el papel de acompañamiento sino que adquiere pleno protagonismo secundada por una unidad de Echoplex y un órgano Vox Jaguar a través de unos concisos arabescos claramente adelantados a su entorno y época.

                             

                                  Dos modelos de la Maestro King y otros dos de Ace Tone

Nietzsche y el influjo de Turín, mórbida y exultante

La ilustración que encabeza esta entrada pertenece al libro La Inmensa Soledad de Frédéric Pajak, uno de los dibujos que componen este ensayo gráfico que gira sobre dos figuras como  Friedrich Nietzsche y  Cesare Pavese que aparentemente poco tienen que ver, sin embargo ambos pasaron unos años decisivos en la ciudad de Turín, disfrutando el primero de los paseos por los bulevares elegantes y sobrios, los grandes soportales, las rectas calles que parecen desembocar en los Alpes o los distinguidos cafés que Pavese cambia por posadas de suburbios donde en palabras de él "el vino solo sabe a bruma"y paseos vagabundeando por barrios industriales. El azar nos ha querido llevar en una visita reciente a alojarnos en Hotel Roma el lugar donde se suicidó con 42 años, Nietzsche con dos años más perdió la razón a diez minutos de aquí junto a su casa en Vía Carlo Alberto, Pajak sintetiza perfectamente el momento:

"Friedrich Nietzsche sale de su casa. En la estación de coches, ve (o cree ver) un pobre caballo maltratado con saña por su cochero. De pronto se abalanza sobre el cuello del animal y lo abraza llorando, antes de derrumbarse, presa de un ataque de aplopejía.
Su casero, Davide Fino, lo recoge en la calle y consigue llevárselo a casa. Nietszche permanece inmóvil y mudo, tumbado durante horas y horas en el canapé.
Durante los días que siguen, se lanza sobre el piano. Y lo que sale por la ventana de la pequeña habitación es música que podríamos calificar con propiedad de "espantosa". Gritos, cánticos y los más variados monólogos funestos se mezclan con los acordes arrastrados y disonantes.
Nietzche tiene cuarenta y cuatro años. Está definitivamente loco."

En el dibujo podemos ver la Iglesia de la Gran  Madre di Dio, donde se dice que en su cúpula el dragón del Apocalipsis plantará sus garras el día del juicio final, Nietzsche que acabó el manuscrito de El Anticristo en Turín paseaba casi a diario por delante de esta subyugante edificación. La iglesia católica llamó a Turín la ciudad del demonio en la época de Risorgimento y posteriormente fue señalada por algunos como parte del triángulo de magia negra junto a Londres y San Francisco. Dario Argento capturó perfectamente estos ambientes surgidos de inquietantes espacios físicos y arquitectónicos que de nuevo altera la vida de un pianista (representado por David Hemmings) al contemplar la muerte de una medium.

                             Ilustraciones del libro L'Immense solitude de Frédéric Pajak

                            Dos momentos del film Profondo Rosso dirigida por Dario Argento


Jim Morrison emulando los delirios grotescos de Nietzsche al piano tras su parálisis cerebral.

Legendarias noches del Bataclan

Imágenes extraídas tras la legendaria reunión de Lou Reed, John Cale y Nico para el concierto que ofrecieron en la sala Bataclan de París en 1972, la primera vez que se les podía ver juntos tras la ruptura de Velvet Underground; en la misma filmación podemos ver las impresiones a la salida del concierto de varios periodistas musicales como Paul Alessandrini o Yves Adrien. Este concierto abriría en la sala una década prodigiosa de actuaciones que dejarían gran impacto a los antes citados y en general al publico parisino, algunas de ellas: New York Dolls, Captain Beefheart o Red Crayola, la mejor época del rock alemán representados por Kraftwerk, Can, Ash Ra Temple o los primeros conciertos de la oleada punk con carteles tan atractivos como Wire teloneados por los franco-españoles Guilty Razors o Pere Ubu junto a Taxi Girl.

El brutal y doloroso atentado que ha sufrido la sala ha sumido a París en un ambiente de agitación y resistencia que parecían presagiar los collages del colectivo Bazooka o los textos de Maurice Dantec, un habitual del Bataclan (el concierto de Kraftwerk presentando Autobahn siempre lo ha citado como una epifanía) que sin embargo provocó una gran polémica al anunciar que dejaba Francia ante la escalada de islamización que estaba sufriendo el país. Asistimos a días de convulsión, políticas mezquinas y oscuras que bien podrían ambientar Wars of Islam o Maladia Europa, dos temas de SPK surgidos poco después de que Graeme Ravell residiera en la capital francesa.

Espero que todo este espíritu e ilusión de las noches del Bataclan, del Gibus o el Palace y de locales más recientes vuelva a restablecerse.

                                       Kraftwerk ejecutando Autobahh. París Bataclan 1975

Crónica del concierto de New York Dolls en el Bataclan con texto de Oriol Llopis y fotos de Ian Mercader. Vibraciones 1978